Tania Candiani, Pulso, video, 2016. Foto por Yvonne Venegas
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Desenredar las formas colectivas
Daniela Lieja, curadora
Programa: Quipu Abierto/Open Quipu
Inauguración y Performance: Abril 3, 2019 7-10 pm
Fechas de exhibición: Abril 3, 2019 a Mayo 25, 2019
Un Quipu o Khipu es un dispositivo hecho de hilos teñidos y anudados: un lenguaje multisensorial extinto de la cultura Inca. Los quipus son las narrativas desaparecidas en resistencia que sirven de inspiración para esta exposición y su programación. Desenredar las formas colectivas anuda reflexiones artísticas que integran la colectividad, la autonomía y las manifestaciones grupales, que desquebrajan sistemas hegemónicos. La artista Cecilia Vicuña define al quipu como “un poema en el espacio, una manera de recordar, que involucra al cuerpo y al cosmos al mismo tiempo.” Los artistas presentados en esta exposición trazan, desde su propio contexto y geografías, caminos discursivos que conectan con formas colectivas de resistencia. La mirada (the gaze) está dirigida hacia los grupos indígenas, hacia sus conocimientos ancestrales y presentes sobre la comprensión de sus mundos. El espíritu que acompaña esta exposición son sus luchas vivas y sus formas de organización grupal, que confrontan las maquinaria capitalista.
Chanccani Quipu, de Cecilia Vicuña, es un punto de partida donde el universo andino y el mundo occidental se enfrentan. Mercedes Dorame vincula esta tierra (California), la habitada desde la antigüedad por grupos indígenas, con proyecciones espaciales reimaginadas de la herencia ceremonial de la cultura Tongva. En el otro extremo de la galería, Pulso (2016), de Tania Candiani, resuena con tambores prehispánicos desde las entrañas de la Ciudad de México en el sistema de transporte colectivo. Carolina Caycedo comparte Mi linaje femenino de resistencia ambiental (2018-2019), una colección de 100 retratos de mujeres eco-activistas que visibilizan su atrevido y peligroso trabajo a través de los dibujos. Sky Hopinka nos sitúa en la tierra Seminole en Florida, en el momento histórico de la asimilación cultural forzada y la fuga del Jefe Coacoochee de la prisión. El gobelino, Punks en contra del Sistema (2016), retrata una escena subterránea hiperlocal en la década de 1990 en Guadalajara, revelando una organización feroz que trascendió en proyectos anarquistas y feministas. La revolución haitiana y los movimientos sociales de los Panteras Negras son referencias Jeannette Ehrles hila y eleva por medio de formas visuales. The 6th Expanse (2016), una fotografía de Harry Gamboa Jr. que presenta un momento de resistencia, un grupo de gente literalmente sosteniendo el ya demolido puente de la calle sexta en Boyle Heights, zona cero de lanti-gentrificación. Mónica Rodríguez y Jorge González crearon un espacio de colaboración para experimentar con procesos de aprendizaje e intercambio de conocimientos a través de las tradiciones de tejidos populares de Puerto Rico y las lecturas en voz alta de la anarco-feminista Luisa Capetillo. Demian DinéYazhi vincula el conocimiento indígena intergeneracional con su identidad feminista queer radical. Kim Zumpfe construyó un espacio de pausa que nos permite desconectarnos de los ritmos externos del mundo en ruinas. En una primera reunión en LACE, Tanya Aguiñiga invitó a un grupo de mujeres a explorar transmisiones táctiles, mientras anudaban y sumergían cordones en colorante negro, lo que dio como resultado un trabajo en progreso que culminó en un evento de celebración. Los artefactos del performance Ajnabi Milan (Unión/Sindicato de Extraños) organizado por Arshia Fatima Haq, fue una procesión de la diáspora SWANA (sudoeste asiático y norte de África), liderada por Fanaa en Hollywood Blvd. Los objetos brilla en la galería con un mensaje de alienación e inclusividad.
Desenredar las formas colectivas y su programación Open Quipu/Quipu Abierto buscan crear un espacio para reunir, recordar, aprender y conectar con la audiencia en un hilo común. Es una invitación a entrelazar nuestras propias narrativas en un khipu, a convertirnos en nudos parlantes. Es una forma de hilar y desenredar posibilidades para volver a imaginarnos.
Tanya Aguiñiga, Holland Andrews, Julia Bogany, Carolina Caycedo, Cecilia Vicuña, Tania Candiani, Patrisse Cullors, Demian DinéYazhi’, East Yard Communities for Environmental Justice, Mercedes Dorame, Jorge González and Mónica Rodríguez, Harry Gamboa Jr., Jeannette Ehlers, Arshia Fatima Haq, Sky Hopinka, Israel Martínez, Sayak Valencia and Kim Zumpfe.
Daniela Lieja Quintanar
LACE, curadora
Hyperallergic Opening Review
Hyperallergic Programming Review
Hyperallergic Review Strangers Union
ArtForum Programming Review
Terremoto-Unraveling Collective Forms
Escucha los capítulos podcast de:
PODCAST 1 | Historias orales de resistencia ambiental
PODCAST 2 | Discursos transfeministas
Apoyo para este proyecto ha sido proporcionado por la Fundación: Andy Warhol y Betsy Greenberg
Fotografías por Chris Wormald y Tina June Malek
Biografía de los artistas
Tanya Aguiñiga es una artista / diseñadora / artesana originaria de Tijuana, México y radicada en Los Ángeles. Obtuvo su maestría en diseño de mobiliario de la Escuela de Diseño de Rhode Island y su licenciatura de la Universidad Estatal de San Diego. En sus años formativos, creó varias instalaciones en colaboración con el Border Arts Workshop, un grupo de artistas comprometidos con lenguajes del activismo y el arte público comunitario. Su trabajo actual utiliza la artesanía como medio performativo para generar diálogos sobre identidad, cultura y género al tiempo que busca crear comunidad. Este enfoque ha ayudado a los museos y organizaciones sin fines de lucro en los Estados Unidos y México a diversificar sus audiencias conectando comunidades marginadas por medio de colaboración.
Entre sus recientes exposiciones individuales se incluyen Disrupting Craft: Renwick Invitational 2018 en el Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (actualmente en exhibición) y Craft and Care en el Museum of Arts and Design, Nueva York. Aguiñiga es United States Artists Target Fellow en el campo de la artesanía y las artes tradicionales, un galardón otorgado por el NALAC. La revista American Craft le dedicó su portada y participó en la serie de PBS, Craft in America. Aguiñiga es fundadora y directora de Arte Hecho Entre Lados Opuestos (AMBOS por su siglas en inglés) una serie de intervenciones de artistas y colaboraciones de personas que abordan la transición binacional y la identidad en las regiones fronterizas de los Estados Unidos y México. AMBOS busca crear un mayor sentido de interconexión al mismo tiempo que documenta la frontera. Aguiñiga es el becaria inaugural del Americans for the Arts Johnson Fellowship para artistas transformando comunidades. Este premio apoyó su trabajo creativo en las comunidades durante el 2018.
Holland Andrews es una vocalista, compositora e intérprete estadounidense cuyo trabajo se basa en la emocionalidad y sus muchas formas. En su trabajo de composición, Andrews se centra en la abstracción de la voz operística y de técnica extendida para construir paisajes sonoros que abarcan tanto la catarsis como la disonancia. Con frecuencia, destacando los temas que rodean la vulnerabilidad y la curación, Andrews organiza la música con voz y clarinete, aprovechando las cualidades innatas de la elegancia y el poder de los instrumentos. Como músico, sus influencias se derivan de un rango dinámico de músicos cuyas influencias incluyen la ópera contemporánea, el teatro musical, así como la música ambiental y el ruido. Andrews se presenta bajo el nombre artístico, Like a Villain. Además de crear trabajos en solitario, Andrews desarrolla y presenta paisajes sonoros para artistas de danza, teatro y cine, y cuyo itinera a nivel nacional e internacional. Andrews ha ganado el reconocimiento de publicaciones como The New York Times, Le Monde, La República, Business Times, entre otros. Holland Andrews se encuentra actualmente viviendo en Portland, Oregon.
Julia Bogany, miembro y consultora cultural de la tribu Tongva, forma parte del Consejo Tribal. Constantemente e incesantemente, enseña voluntariamente, asiste a reuniones y forma parte activa y sin remuneración para ayudar a su tribu. Durante más de treinta años ha trabajado para la comunidad indígena americana de la tribu Tongva. Ha brindado capacitación cultural y talleres, en torno a Trastornos del Espectro Alcohólico Fetal (FASD por sus siglas en inglés) y la Ley del Bienestar Infantil Indígena (ICWA por sus siglas en inglés), en Los Angeles, San Bernardino y Riverside. Adicionalmente, ha impartido talleres para la conferencia de mujeres de la Junta de Salud Indígena Rural de California. Bogany estudio en el Centro para la Excelencia de SAMHSA FASD en 2005 y desde entonces ha brindado clases de FASD. Es defensora de los trastornos del espectro alcohólico fetal y de la ICWA. En 2017 publicó el libro Mujeres Tongva Empoderando el Futuro.
Tania Candiani (1974) El trabajo de Tania Candiani se ha desarrollado en varios medios y prácticas que mantienen el interés en la compleja intersección entre los idiomas: fonéticos, gráficos, lingüísticos, simbólicos y tecnológicos. Hay algo de nostalgia por lo obsoleto en su trabajo, que busca explicitar tanto el contenido discursivo de los artefactos como las proyecciones para el futuro que se previó en el pasado. Sus procesos de traducción entre sonido, palabras, patrones y máquinas crean asociaciones discursivas y revelan lógicas de pensamiento. Algunas de sus primeras obras aprovecharon el lenguaje del bordado para desafiar las imágenes estereotipadas de género (Gordas, 2002), subvirtiendo las nociones de poder dentro de las esferas pública y privada (Kaunas Graffiti, 2009), o para reavivar lo que parecía no tener vida o sometido (La constancia dormida, 2006). Del mismo modo, su trabajo con el bordado propone una nueva perspectiva de la representación arquitectónica del espacio (De los planos de planta a los patrones de confección: Viviendas de apartamentos en la ciudad de Nueva York, 1900–1914, 2010). Como tal, su trabajo estableció una relación con la arquitectura que tendría consecuencias más adelante en su carrera.
Carolina Caycedo (1978) nació en Londres de padres colombianos. Caycedo trasciende los espacios institucionales para trabajar el ámbito social, donde participa en movimientos de resistencia territorial y justicia ambiental, economías solidarias y la vivienda como un derecho humano. Su práctica artística tiene una dimensión colectiva en la que el perfomance, el dibujo, la fotografía y el video no son solo un resultado final, sino que forman parte del proceso de investigación y acción de la artista. Mediante un trabajo que investiga las relaciones entre movimiento y represión, asimilación y resistencia, representación y control, aborda contextos, grupos y comunidades que se ven afectados por proyectos de desarrollo y extractivismo, como la construcción de represas, la privatización del agua y sus consecuencias en las comunidades ribereñas. Ha desarrollado proyectos públicos en Bogotá, Quezon City, Toronto, Madrid, Sao Paulo, Lisboa, San Juan, Nueva York, San Francisco, París, México DF, Tijuana y Londres. Su trabajo ha sido exhibido individualmente en la Secesión de Viena, Intermediae-Matadero Madrid, Agnes B Galería de París, Alianza Francesa de Bogotá, Hordaland Kunstsenter Bergen, 18 St Arts Center en Santa Mónica, y el DAAD Galería en Berlín. Ha participado en bienales como Made in LA (2018), Sao Paulo (2016), Berlín (2014), Trienal de París (2013), New Museum (2011), La Habana (2009), Whitney (2006), Venecia (2003) y Estambul (2001). En 2012, Caycedo fue residente de la DAAD en Berlín. Ha recibido fondos de Creative Capital, California Community Foundation, Departamento de Asuntos Culturales de Los Ángeles, Harpo Foundation, Art Matters, Ministerio de Cultura de Colombia, Arts Council UK y Prince Claus Fund.
Patrisse Cullors (1984). Artista, organizadora, educadora y oradora pública, Patrisse Cullors es originaria de Los Ángeles, California; co-fundadora de Black Lives Matter Global Network, así como fundadora de la organización Dignity and Power Now en LA. En 2013, Patrisse cofundó el movimiento global con el hashtag viral en Twitter #BlackLivesMatter, que desde entonces ha crecido hasta convertirse en una organización internacional que lucha contra el racismo contra los negros. En enero de 2016, Cullors publicó Cuando te llaman terrorista: una biografía del Black Lives Matter. El New York Times lo incluyó en su lista de Bestseller. Patrisse ha sido galardonada con varios premios, entre ellos: The Sydney Peace Prize Award (2017); Black Woman of the Year Award (2015); The National Congress of Black Women la nombró Líder de los Derechos Civiles para el 21st Century Award (2015); el diario Los Ángeles. Times, le otorgó el Premio al Agente de Cambio Comunitario (2016); BLACK GIRLS ROCK! Inc., recibió el Premio Mujeres del Año a los Buscadores de Justicia (2016) y de Glamour, y ESSENCE’ el first-ever Woke Award. Patrisse es actualmente candidata 2019 para un MFA en la Universidad del Sur de California.
Demian DinéYazhi’ (1983) es un artista transdisciplinario de Diné Indio nacido en los clanes Naasht’ézhí Tábąąhá (Zuni Clan Water’s Edge) y Tódích’íí’nii (Bitter Water). Al crecer en la ciudad fronteriza colonizada de Gallup, Nuevo México, la evolución de la obra de DinéYazhi se ha visto influenciada por sus vínculos ancestrales con la cultura tradicional de Diné, la ceremonia, la educación matrilineal, la santidad de la tierra y la importancia del conocimiento intergeneracional. A través de la investigación, los archivos de la comunidad minera y la colaboración social, DinéYazhi ́ destaca las intersecciones de la identidad feminista queer indígena radical e ideología política mientras desafía el ruido blanco del arte contemporáneo. Han exhibido recientemente en el Whitney Museum of American Art (2018), Henry Art Gallery (2018), Pioneer Works (2018), CANADA, NY (2017); y Cooley Art Gallery (2017). DinéYazhi ́ fundó la iniciativa de artistas / activistas indígenas, R.I.S.E .: Radical Indigenous Survivance & Empowerment. DinéYazhi tambien se desempena como co-editor de Locusts: A Post-Queer Nation Zine. Entre los premios recibidos se encuentran el Brink Award (2017) la beca Hallie Ford Fellow in the Visual Arts (2018) y la beca Eiteljorg Contemporary Art Fellow (2019).
East Yard Communities for Environmental Justice (EYCEJ, por sus siglas en inglés) es una organización con base en la comunidad que trabaja para facilitar autogestores en East Los Angeles, Southeast Los Angeles y Long Beach. Proporcionando talleres y capacitaciones, EYCEJ prepara a los miembros de la comunidad para participar en los procesos de toma de decisiones que afectan directamente su salud y calidad de vida.
Mercedes Dorame, es originaria de Los Ángeles, California. Recibió un MFA por parte del San Francisco Art Institute y su licenciatura por parte del UCLA. Ella hace un llamado a su ascendencia Tongva para involucrarse en la problemática de la visibilidad y las ideas de construcción cultural. El trabajo de Dorame se encuentra en las colecciones permanentes del Museo Hammer, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Triton, el Allen Memorial ArtMuseum, el Museo Saisset, la Colección de la Fundación Montblanc y el Museo Phoebe A. Hearst. Ha recibido becas y apoyos de la Comisión de Arte de Montblanc; la New York Foundation for the Arts; la Loop Artist Residency; el Premio James Phelan para artistas visuales nacidos en California; el programa de becas de Fotografía de Obras Nuevas de En Foco; apoyo de la Galería de la Raza, para su exposición individual; apoyo de la Fundación Harpo para la realización de una residencia en el Centro de Estudios de Vermont y apoyo del Departamento de Fotografía en el Instituto de Arte de San Francisco por sus Estudios de Maestría en Bellas Artes. Recientemente formó parte de la exposición organizada por el Museo Hammer, Made in LA 2018 y sus próximas exposiciones se presentaran en el Triton Museum, el Museo deSaisset, LACE y Reflect Space. Su obra se ha mostrado a nivel internacional. Ha publicado en News From Native California y su obra ha sido destacadas por PBS Newshour, KCET Artbound, New York Times, Art in America, Hyperallergic, KQED, Artsy, ARTnews, Los Angeles Times, SF Chronicle, entre otras.
Jorge González (1981). Vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico. Recibió su BFA de la Escuela de Artes Visuales de Puerto Rico en 2006. De 2012 a 2014, formó parte de La Práctica, Beta Local, un programa que acompañó el proceso de González, el cual forjó conexiones pedagógicas presentes en su práctica. En 2017, González recibió la beca Davidoff Arts Initiative, para ser parte de la Escuela Flora, FLORA ars + natura, un programa pedagógico, en Bogotá, Colombia. Entre algunas de las exposiciones que González ha exhibido internacionalmente, se encuentran What kind of a Celebration?, Osnabrück, Alemania (2015), curada por Julia Draganovic y Pablo Helguera; SITELines: much wider than a line en la SITE Santa Fe Biennial en 2016. En 2017, González participó en documenta, Kassel 14, en un programa organizado por ifa (Institut für Auslandsbeziehungen) titulado BUnder the Mango Tree: Ulterior Sites of Learning, una reunión y publicación que abordó nuevos sitios de aprendizaje. En 2018 fue incluido en Pacha, Llaqta, Wasichay: Indigenous Space, Modern Architecture, New Art en el Museo Whitney, curada por Marcella Guerrero.
Mónica Rodríguez (1980) El trabajo de Mónica Rodríguez observa la historia del imperialismo estadounidense y su impacto colonial en las condiciones políticas, económicas y sociales del Caribe. Su trabajo reciente ha sido presentado en exposiciones en la Sagrada Mercancía, Santiago, Chile; la Glass Curtain Gallery, Columbia College, Chicago; en Los Angeles Municipal Art Gallery de Los Ángeles, California; el 19º Festival de Arte Contemporáneo Videobrasil, Sao Paulo, Brasil; la Ene, en Buenos aires, Argentina; Pacto Zollverein en Essen, Alemania, entre otros. Recibió su BFA por parte de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico en 2005, un MFA del California Institute of the Arts, Valencia, CA en 2011 y asistió al Programa de Estudio Independiente del Museo Whitney entre 2012-13. En 2013 fue invitada a La Práctica, un programa de residencia de nueve meses en Beta-Local, San Juan, PR. Rodríguez actualmente vive y trabaja en Los Angeles, CA.
Harry Gamboa Jr. es un artista, escritor y educador. Es el fundador y director de la compañía internacional de performance Virtual Vérité (2005-2017). También es cofundador de Asco (1972-1985), el grupo de rendimiento con sede en Los Ángeles. Su obra ha sido expuesta a nivel nacional / internacional: Autry Museum of the American West, Los Angeles (2017); Marlborough Contemporary, New York (2017); Whitney Museum of American Art, New York (2016, 2015 and 1995 Biennial); Utah Museum of Fine Arts (2015); Princeton University Art Museum (2015); Centre d’Arts Plastiques Contemporain Bordeaux, France (2014); De Appel, Amsterdam (2014); Triangle France, Marseille, France (2014); Smart Museum of Art, Chicago (2014); Lentos Kunstmuseum Linz, Linz, Austria (2013); Nottingham Contemporary, Nottingham, England (2013); Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (2013); Le Musée d’Art Contemporain, Marseille, France (2013, 2017); Museo Universitario Arte Contemporáneo (UNAM), Mexico City (2013); Tate Liverpool, Liverpool, England (2013); The Bronx Museum of the Arts, Bronx, New York (2013); UC Berkeley Art Museum and Pacific Rim Film Archive (2012); Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico City (2011, 1981); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2011, 2010); Musée de l’Élysée, Lausanne, Switzerland (2009); Orange County Museum of Art, Newport Beach, CA (2011); Whitworth Art Gallery, Manchester, England (2009); Museo de Arte Zapopan, Guadalajara, Mexico (2009); Los Angeles County Museum of Art (2011, 2008, 2001); Fowler Museum, UC Los Angeles (2011); Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Mexico City (2008); Japanese American National Museum, Los Angeles (2008); El Museo del Barrio, New York (2008, 2010); The Huntington Library, San Marino, California (2008); Museo José Luis Cuevas, Mexico City (2006); Centre Pompidou, Paris, France (2006); Museo Nacional de la Estampa, Mexico City (2005); International Center of Photography, New York (2003); MIT List Visual Arts Center (2000); Queens Museum of Art (1999); Smithsonian Institution, Washington D.C. (1997); Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Denmark (1996); Museum of Modern Art, New York, NY (1994); Getty Research Institute, Los Angeles (1994); LAX/CSU Los Angeles (1994); Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico City (1981); Museum of Contemporary Art, Chicago (1979); Museo de Arte Moderno, Mexico City (1978); Museo Alvar y Carmen T. Carrillo Gil, Mexico City (1978); Tucson Museum of Art, Tucson, AZ (1977).
Jeannette Ehlers es una artista de origen danés y trinitario radicada en Copenhague cuya práctica toma forma experimental a través de la fotografía, el video, la instalación, la escultura y el performance. Graduada de la Real Academia Danesa de Bellas Artes en 2006 su trabajo a menudo hace uso de la autorrepresentación y la manipulación de imágenes para provocar evocaciones e interrupciones decoloniales. Estas manifestaciones atienden a las secuelas materiales y afectivas del impacto colonial de Dinamarca en el Caribe y la participación en el Comercio Transatlántico de Esclavos, realidades que con demasiada frecuencia han sido olvidadas por la dominante escritura de la historia. En palabras de la autora Lesley-Ann Brown, “Ehlers recuerda a todos los que participan o contemplan su trabajo que la historia no está en el pasado”. Ehlers insiste en la posibilidad de empoderamiento y curación en su arte, honrando los legados de resistencia en la diáspora Africana. Ella mezcla lo histórico, lo colectivo, lo rebelde con lo familiar, lo corporal y lo poético. El 31 de marzo de 2018, presentó I Am Queen Mary, un proyecto público de escultura en colaboración con La Vaughn Belle, KAS, Cph, DK. Ehlers ha expuesto en el Museo Finlandés de Fotografía de Helsinki, FI; Canton Gallery, Guangzhou, CN; CareOf, Milán IT; Frost Art Museum, FL, USA; CAMP, Copenhague, DK; Wallach Art Gallery, Nueva York, USA; AROS, Aarhus, DK; MOLAA, Los Ángeles, USA; The Black Diamond, Copenhague, DK; International Slavery Museum, Liverpool, UK; 21c Hoteles de museo, Louisville, USA; Reykjavik Art Museum, IS.
Arshia Fatima Haq trabaja a través de varios medios incluyendo el cine, las artes visuales, el performance y el arte sonoro. Actualmente está explorando temas de embodiment y misticismo, particularmente dentro del contexto islámico sufí. Es fundadora de Discostan, un proyecto colaborativo decolonizador que trabaja con la producción cultural de Medio Oriente, África del Norte y Asia del Sur. Los hilos narrativos incluyen la migración, la celebración, la guerra, la nostalgia, la patria y las fronteras, a menudo dentro de los dominios de influencia islámica, a través de la lente de formas tradicionales y reinvenciones caleidoscópicas de la cultura pop. La obra de Haq se ha presentado en el Museo Broad, el Festival Internacional de Cine de Toronto, el Museo de Arte Moderno en New York, el Museo Hammer, LAX Art, el Programa Global Visions de UC Irvine, el Centro Georges Pompidou y el Pacific Film Archive. Fue seleccionada como programadora cultural para La Iniciativa de Arte Islam de Los Ángeles. Recibió la beca de artistas visuales de la Fundación Comunitaria de California; la beca para artistas emergentes de Rema Hort Mann, la beca de residencia para artistas de la fundación Onassis y la beca AIR New Voices. Actualmente, presenta y produce programas de radio mensuales en Dublab y NTS con música contemporánea, tradicional y nostálgica de toda la región de SWANA, y recientemente lanzó un álbum de grabaciones Sufi Field de Pakistán en el sello Sublime Frequencies.
Sky Hopinka (Ho-Chunk/Pechanga) nació en Ferndale, Washington, y pasó varios años en Palm Springs y Riverside, California; Portland, Oregon; Milwaukee, Wisconsin; y actualmente reside en Cambridge, Massachusetts. En Portland, estudió y enseñó chinuk wawa, un idioma indígena de la cuenca del río Columbia. Su trabajo de video se centra en las posiciones personales de la patria y el paisaje indígenas, los diseños del lenguaje como contenedores de la cultura y el juego entre lo conocido y lo desconocido. Recibió su título de licenciatura en Artes Liberales de parte de la Universidad Estatal de Portland y su Maestría en Bellas Artes en Cine, Video, Animación y Nuevos Géneros de la Universidad de Wisconsin-Milwaukee. Actualmente es miembro del Instituto Radcliffe de Estudios Avanzados de la Universidad de Harvard y miembro del Sundance Art of Nonfiction, 2019. Su trabajo se ha presentado en varios festivales, incluyendo ImagineNATIVE Media + Arts Festival Images; Wavelengths; Ann Arbor Film Festival; Sundance, Antimatter; Chicago Underground Film Festival; FLEXfest y Projections. Su trabajo fue parte de la Trienal de Wisconsin en 2016 y de la Bienal de Whitney en 2017. Fue galardonado con premios del jurado en el Festival de Cine de Onion City; el Premio Más con Menos en el Festival de Imágenes 2016; el Premio Tom Berman al Cineasta Promesa en el 54º Festival de Cine de Ann Arbor; el Nuevo Premio de Cine en el Festival de Cine y Artes de Berwick. Festival y la beca Mary L. Nohl Fund para artistas individuales en la categoría de artistas emergentes para 2018.
Israel Martínez (Guadalajara, México, 1979) es un artista que trabaja desde el sonido hacia distintos medios o soportes como la instalación, video, fotografía, texto, publicaciones, acciones e intervenciones en espacios públicos, con el objetivo de generar diversas reflexiones sociales y políticas de forma crítica, y a menudo explorando el sigilo como una situación comunicativa de mayor pertinencia. Acreedor en 2007 de un Premio de Distinción en Prix Ars Electronica, y en 2019 ganador del CTM Radio Lab Call en Berlín, ha expuesto de forma individual y colectiva en espacios como MACBA, MuseumsQuartier, Bienal de Moscú, daadgalerie, Haus fur elektronische Kunste Basel, LACE, Mission Cultural Center for Latino Arts, MUAC, Museo Universitario del Chopo, Museo Arte Carrillo Gil, MAZ, entre otros principalmente en Europa y México.En 2012 y 2017 ha sido parte del Programa de Artistas en Berlín de la DAAD, y en 2014 del Museums Quartier en Viena. Ha publicado trabajo discográfico y editorial a través de Sub Rosa, Errant Bodies Press, Aagoo, The Wire, Hatje Cantz; y es co-fundador de los sellos y colectivos Abolipop Records y Suplex.
Sayak Valencia (Tijuana, 1980) Doctora en Filosofía, Teoría y Crítica Feminista por la Universidad Complutense de Madrid. Es profesora en el Departamento de Estudios Culturales del Colegio de la Frontera Norte. Poeta, ensayista y exhibicionista performática. Ha dictado conferencias y seminarios sobre Capitalismo Gore, transfeminismos, feminismo chicano, feminismo poscolonial, arte y teoría queer en diversas universidades de Europa y América. Ha publicado los libros: Gore Capitalism, MIT/Semiotext(e), 2018), Capitalismo Gore (Paidós, 2016 y Melusina, Barcelona, 2010), Adrift´s Book (Aristas Martínez, Badajoz, 2012),), El reverso exacto del texto (Centaurea Nigra Ediciones, Madrid 2007), Jueves Fausto (Ediciones de la Esquina / Anortecer, Tijuana 2004), así como diversos artículos académicos, ensayos y poemas en revistas de Argentina, Brasil, Colombia, Chile, México, España, Alemania, Francia, Polonia y los Estados Unidos.
Kim Zumpfe es una artista y educadora que vive y trabaja en Los Ángeles. A través del trabajo individual y colaborativo, el entorno construido es re situado como una forma de abordar el profundo compromiso entre los materiales, el espacio y la socialidad como modelos de relaciones. Trabajando principalmente con instalación, las posibilidades alternativas en el orden de las cosas se consideran a través del trabajo con arquitecturas e infraestructuras que interactúan con el espacio como una psicología y cualidades del tiempo (s) doblado (s). El trabajo de Zumpfe se ha exhibido en CSUF Grand Central Art Center; Diverseworks Houston; la Audain Gallery Vancouver; el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego; el Hammer Museum; Human Resources; Los Angeles Contemporary Archive (LACA); UCR Culver Center for the Arts Riverside; Museo de Arte de Torrance, y varios sitios públicos y en línea.
Esta exposición forma parte de el programa, Se habla español. Para ver mas proyectos bilingües, click aquí.
